La réalisation d’un portrait est un art à part entière, pratiqué bien avant la photographie. Les grands peintres avaient déjà leurs techniques et leurs difficultés pour créer des portraits attirants. Dans le cadre de cette 7ème édition de la boite à photos consacré au portrait, j’ai décidé de rendre hommage à nos ancêtres portraitistes, en vous rappelant quelques petites astuces déjà utilisées à l’époque où l’acrylique et la gouache étaient légion.

La pose

Prenons l’exemple du célèbre portrait de la Joconde. A l’époque ce portrait était une révolution. En effet la plupart des portraits étaient rigides, les sujets devant garder la pose pendant plusieurs heures, et la plupart étaient peint debout et de face. Ici la Joconde  a l’air décontractée assise sur sa chaise les mains croisées, avec son buste positionné de « trois quart« .

Chose étonnante également pour l’époque, Leonardo de Vinci à placé son sujet de sorte que ses yeux soient à hauteur de regard. Ceci créé une certaine intimité avec l’image, puisque vos yeux sont en contact direct avec les siens, une certaine égalité dans ce face à face.

La composition

En peinture comme en photographie, vous devez vous appuyer sur des formes géométriques pour composer vos images. Le portrait n’y échappe pas. L’une des formes que vous rencontrerez le plus souvent est le triangle.

Dans cet autoportrait du peintre allemand Albrecht Dürer, on voit clairement le triangle formé par ses épaules et sa tête. La forme du triangle contrairement aux autres formes (circulaires, rectangulaires …) permet d’ordonner une image, de créer un sens de lecture qui facilite la compréhension d’une image.

Sur le portrait de cette mariée le triangle est formé par sa tête, son épaule, et son bouquet de fleurs. Le fait que le sujet soit encadré dans ce triangle permet de donner une dynamique à l’image, et de concentrer le regard du lecteur sur les points importants.

L’éclairage à la Rembrandt

En parlant de triangle, il en existe un très intéressant formé par l’éclairage à la Rembrandt. C’est une technique régulièrement utilisée en photographie de studio car elle peut être réalisée avec peu de matériel. En effet une simple fenêtre et un réflecteur suffisent à produire cet éclairage. Il est populaire car il permet de produire des images qui sont à la fois naturelles, et travaillées dans la partie sombre du visage.

Comme on peut le constater dans cet autoportrait de Rembrandt, elle est caractérisée par ce triangle sous l’oeil, formé par l’ombre du nez qui s’allonge et vient rejoindre l’ombre de la joue non éclairée. La lumière principale est alors à 45° environ de l’axe du visage, et en hauteur. Cette technique est bien adaptée pour les portraits masculins, mais peut cependant être utilisé pour donner du caractère à des portraits des deux sexes.

Le nombre d’or

Connu depuis la Grèce antique, le nombre d’or (environ 1,61803398875) est utilisé pour définir des proportions harmonieuses en géométrie, également connu en tant que « divine proportion » pendant la Renaissance. Cette règle a donné entre autres le rectangle de Fibonacci, ou rectangle d’or, pour lequel le rapport entre la longueur et la largeur du rectangle doit être égale à ce même nombre d’or. Il a été énormément utilisé en peinture, le portrait n’y échappant pas. Prenon par exemple le portrait de « Saint Jérome » réalisé par Leonardo de Vinci.

Dans ce tableau qui n’a jamais été terminé, Leonardo a placé le corps de « Jérôme de Stridon » le pénitent dans le cadre d’un rectangle d’or, en centrant sa tête dans le rectangle supérieur droit, et en plaçant la fin de la spirale directement sur le coeur du saint. Le but dans la photo de portrait, comme dans la photographie en générale, et de mettre à profit cette règle (dont la règle des tiers découle) afin de créer des photos harmonieuses.

Dans cette photo, réalisé lors d’un shooting pour la troupe Chickadee, j’ai placé l’oeil de mon sujet dans un des points de force de l’image, et la forme arrondie de la loupe m’a aidé à créer cette spirale formée par le nombre d’or. Travaillez cette règle de composition dans vos photographies, si les peintres l’ont utilisé avant nous, ce n’est pas par pur hasard.

Le décor et la profondeur de champs

Dans la plupart des cas en peinture, le décor d’un portrait était peint de manière nette afin que tout les éléments de l’image soient lisibles. Aujourd’hui en photographie, bien que les photographes aient tendance à flouter ce décor afin de détacher le sujet, le fond est toujours aussi important, car négligé il peut gâcher votre portrait à cause d’un élément perturbateur, mais étudiez-le et vous pourrez apporter un complément d’information, un environnement à votre sujet.

Dans ce « Bar aux folies-Bergères« , Manet peint avec importance le miroir se trouvant derrière la serveuse, et ainsi décrit la salle qui se reflète, elle-même tapissée de glaces comme on peut le remarquer par la démultiplication des globes lumineux et des silhouettes, et donne ainsi à cette scène de nuit une profondeur de champ sans fin.

Sur ce portrait de mes amis de Mari musica j’ai volontairement placé les musiciens en fonction du décor, car je souhaitais intégrer l’esprit « urbain ». Ainsi on se retrouve de nuit, dans la ville, éclairée par les globes de lumières et les néons d’un bar au loin. Une mise en scène moderne pour une musique Jazz qui l’est également. N’hésitez pas à vous inspirer de votre environnement pour raconter une histoire.

Conlusion

Vous l’aurez compris, de nombreuses techniques dans la photographie de portrait découlent directement de la peinture. Si vous êtes un minimum curieux, et que aimez sortir du cadre de la photographie, alors vous apprendrez énormément en allant dans les musées, découvrir ce que les peintres peuvent vous apporter, dans le portrait comme dans les paysages ou les natures mortes. Pour autant ne vous arrêtez pas à cela, comme toutes règles  celle-ci peuvent être transgressées, alors faites vous plaisir et photographiez, vous mêmes, vos amis, votre famille, et offrez nous vos plus beaux portraits !

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